Como miembro de la audiencia, es fácil pasar por alto cuánto trabajo se invirtió en la actuación en el escenario; después de todo, el trabajo de un bailarín es hacer que parezca sin esfuerzo. Pero todos los profesionales han abordado un papel que los hizo dudar de sí mismos, ya sea probando su resistencia, sacándolos de sus zonas de confort o tocando sus vulnerabilidades e inseguridades. Aquí, seis bailarines comparten algunos de sus roles más difíciles, cómo lo lograron y lo que aprendieron.
Hickman y Sieve interpretan 'Se necesita mucho para conocer a un hombre' (Adam Rose, cortesía de FOX)
Darius Hickman
Bailarín, temporada 15 de 'Entonces crees que puedes bailar'
'Se necesita mucho para conocer a un hombre' fue mi último dúo en 'SYT'. Con la coreografía de Travis Wall, era muy exigente físicamente y tenía que ser muy vulnerable emocionalmente. Eso fue difícil para mí hacer en televisión. Sentí que era una gran responsabilidad. Sabía que tenía que ser honesto conmigo mismo y dejar que mis emociones fueran naturales para que esa pieza funcionara. Creo que eso es lo que lo hizo tan especial, porque se sintió real. Fue difícil crecer siendo gay y negro. Mis atuendos nunca fueron casuales. Siempre usé brillos, purpurina y lo que quisiera. Pero recibía una reacción violenta y eso dolía. En la pieza, Travis quería que abrazara mi yo femenino y mi yo masculino, mostrando ambos lados de mí. En los ensayos, lo que realmente ayudó fue recordar lo importante que fue el espectáculo para mí. Bailo para mostrarle a la gente que todo es posible. Cuando estás en un entorno de competencia, es muy difícil no preocuparte por lo que otras personas están pensando, pero al final del día no es para ellos. Es para ti.
Cassandre Joseph en 'Human Fountain' (Antoine Douaihy, cortesía de STREB Extreme Action)
Cassandra Joseph
Bailarina y directora artística asociada, STREB Extreme Action
Hay una pieza llamada Fuente humana . Es un andamio que tiene tres niveles y está diseñado según las fuentes del Bellagio en Las Vegas, NV. La idea es que esencialmente estaríamos reemplazando el agua y creando formas, corriendo y lanzándonos desde las plataformas en muchas orientaciones diferentes. Yo era una gimnasta mientras crecía, por lo que mi entrenamiento se dividió en sistemas de progresiones: aprender y dominar un grupo de habilidades, luego pasar al siguiente nivel. Así aprendí a moverme. Fuente humana se convirtió en un gran desafío porque es más difícil crear progresiones cuando solo tienes tres plataformas. La coreografía requiere no solo mucho compromiso y confianza en uno mismo, sino también velocidad, agilidad y fuerza. La mayoría de las piezas de STREB inspiran algún tipo de miedo, pero esto fue diferente. Tenía que volver a conocerme a mí mismo. Antes del ensayo, me tomaba de cinco a diez minutos sentarme y repasar mis puntos fuertes. Anotaría diferentes ideas y propondría progresiones por derecho propio. Realmente nunca superé el miedo, pero me he armado con suficientes métodos para evitar que ese miedo me detenga. No solo estás a la altura de la ocasión, te hundes al nivel de tu entrenamiento. Tienes que recordar que no es un ascenso momentáneo: estás armado con todo lo que necesitas para hacer esa habilidad, porque has sido entrenado.
(De izquierda a derecha) Anabel Katsnelson, Tyler Maloney, Erica Lall y Arron Scott en 'In the Upper Room' (Marty Sohl, cortesía del American Ballet Theatre)
Arron Scott
Bailarina, American Ballet Theatre
Durante la temporada de primavera de ABT, tuve que intervenir en cada actuación de Twyla Tharp En el aposento alto . La música del ballet es palpitante y el esfuerzo físico es tan claro como el día para el público, por lo que es realmente emocionante bailar. Esta fue la primera vez que lo hice en el escenario del Metropolitan Opera House, lo cual fue un desafío adicional porque es tan enorme. Hay un par de salidas en las que literalmente solo tienes cuatro segundos para subir tres alas y entrar de nuevo. Todo es cuestión de ritmo, y cuanto más hagas un papel, más podrás encontrar momentos de calma para respirar y luego recargar para el próximo gran empujón. No importa cuánto intentes alimentar, llegas a un punto y tienes que cavar muy profundo y darte cuenta de que no te vas a sentir así para siempre, vas a estar bien. La música también ayuda. Soy una bailarina muy musical, me impulsa y me da energía. Es una experiencia trascendente interpretar este ballet, y no hay nada como la sensación como elenco de poder superarlo. Todo el mundo está absolutamente exhausto, pero ver a tus compañeros bailarines empujando en el escenario al máximo de alguna manera te revitaliza, reaviva el fuego que no sabías que tenías.
Solomon Dumas en 'Revelations' de Alvin Ailey en el Fire Island Dance Festival 2019 (Scott Shaw, cortesía de Alvin Ailey American Dance Theatre)
Bailarín, Alvin Ailey American Dance Theatre
Hay un solo de Robert Battle llamado Dentro , y está interpretada con la música de 'Wild Is the Wind', de Nina Simone. Es una de las piezas más desafiantes que he hecho porque estás solo. En mucho trabajo, puedes confiar en la energía que se comparte en el escenario entre tus compañeros de reparto, pero con esto eres solo tú durante seis minutos. Cuando lo realizo, se trata de mis pensamientos vulnerables más íntimos. El disfraz es solo un cinturón de baile, y la pieza es extremadamente desafiante físicamente. Te estás lanzando por el escenario, estás girando, estás saltando. Ha habido momentos en los que me he perdido en el escenario porque la iluminación es muy oscura. Tengo que crear una historia para que la audiencia comprenda el viaje del personaje dentro del solo. Tuve que subir al escenario cuando no había nadie más en el teatro, y encontrar tiempo y espacio por mí mismo para profundizar, porque para mí no es algo que simplemente sucede. No solemos pensar en ese compromiso emocional y en el hecho de que tienes que ser capaz de proyectarlo. Tiene que llegar a la parte trasera de la casa. Eso es algo que ayudó a mi baile, puede que conozcas los pasos, el espaciado, la musicalidad, pero tienes que ser capaz de agregar ese aspecto de actuación.
Cortesía de Thryn Saxon
Thryn Saxon
Bailarín, No duermas mas
Para el papel principal que hago, tuve que afeitarme la cabeza. Esa fue una gran transición para mí, estéticamente hablando y también emocionalmente, en términos de lo que significaba entregarme y comprometerme con mi arte. El personaje que interpreto es increíblemente físico y poderoso. El tema del programa también es bastante intenso y te pide mucho. Tienes que sumergirte en estas escenas pesadas, pero tampoco dejar que te superen. Mi personaje no tiene pelo, y vivir con ese componente en mi propia vida diaria fue un desafío al principio; sentía que dondequiera que fuera, yo era ella. Nunca había experimentado una conexión tan estrecha entre mi vida escénica y mi vida cotidiana. Luego comencé a diseccionar qué componentes de este personaje ya tenía en mí, y ahora puedo decir definitivamente que sus elecciones y partes de su mundo me han hecho tener más convicción sobre mis elecciones como mujer, más un sentido de mi sensualidad. y el poder detrás de eso. A menudo vemos imágenes de una mujer con cabello largo y lujoso. No me di cuenta de lo mucho que me habían afectado esas imágenes hasta que no tuve cabello. Ha sido una experiencia increíble y me hace pensar en otras cosas de mi vida que aún no he probado. Me abrió un mundo completamente nuevo.
Anissa Lee, a la izquierda, con sus compañeras Syncopated Ladies (cortesía de Chloe & Maud Productions)
Anissa Lee
Bailarina, Damas sincopadas
Levantate es una de nuestras piezas más poderosas. Siempre somos tan positivos y nos animamos, y por lo general eso significa traer alegría o algún tipo de estilo sexy. Pero con Levantate , en el clima político particular en el que vivimos ahora, y con todas las cosas que suceden en el mundo, es un poco desencadenante. Nos recuerda la gratitud que tenemos por estar rodeados de cosas que amamos, y cuando el odio entra en nuestro círculo, nos enseña cómo superarlo. Es un baile divertido, pero definitivamente es uno de los más emocionales y pesa un poco más en el corazón. Especialmente cuando comenzamos a hacer estos videos y nos volvimos un poco más virales, veíamos reacciones violentas en las redes sociales. Casi lo esperamos. Chloe Arnold siempre habla con nosotros sobre cómo recibir eso de la mejor manera posible para que no mate tu alma o apague el fuego en tu corazón. Las personas que bailan y publican su trabajo en línea son tan vulnerables que les hacen saber quiénes son y qué quieren expresar abiertamente. También es una situación extraña y agridulce, porque piensas: 'No quiero que sucedan estas locuras en el mundo, pero también está impulsando por qué hago lo que hago'. Es un delicado equilibrio.