Cuando Lorena Feijóo subió al escenario en Jerome Robbins ' En la noche en el City Center de Nueva York en octubre pasado, fue como si un cordón invisible conectara su cuerpo a cada instrumento de la orquesta. Ya sea por estudiar piano cuando era una joven bailarina en Cuba o por su habilidad intrínseca para encarnar sonidos, la directora del Ballet de San Francisco exhibe esa cualidad intangible que hace que la danza sea un placer de ver: la musicalidad.
Entonces, ¿qué es exactamente la musicalidad? Es la forma en que un bailarín expresa la música en su cuerpo. 'La musicalidad es entender la música a un nivel técnico y luego dejar caer todo ese conocimiento para que puedas sentarte profundamente dentro de la música', dice el coreógrafo y habitual de 'So You Think You Can Dance', Wade Robson. “Es bailar dentro de la música, en lugar de flotar encima de ella”.
Un sentido de la musicalidad bien desarrollado separa a los profesionales de los aficionados. También lo hace agradable de ver, ¡y es una forma más gratificante de bailar! Aquí hay algunas formas de perfeccionar su oído y hacer sus propias elecciones de música y movimiento inspiradas.
Dominar la musicalidad
Ponga un bailarín musical y un bailarín no musical uno al lado del otro y verá por qué es tan importante estar en sintonía con el ritmo, la melodía y el estado de ánimo de una canción. Los bailarines sin una conexión entusiasta con la música pueden parecer rígidos o desconectados; a menudo, son difíciles de ver. “No pueden transmitir la emoción que dan las notas musicales”, dice Feijóo. “Un bailarín fuerte pero no musical es como un cuadro sin colores. Prefiero ver a una bailarina musical con menos extensión y pies no tan bonitos '.
Los bailarines musicales, por otro lado, nunca ignoran la música para encajar en más trucos. “Se puede ver el esfuerzo en una bailarina no musical; a menudo se mueven por pasos”, dice la profesora de ballet de Nueva York, Deborah Wingert. “Los bailarines musicales no giran hasta que se detienen. Giran hasta que tienen que pasar al siguiente punto de la música. Los bailarines musicales nunca se dejan atrapar tanto por los pasos como para ignorar la música ”.
Es importante comprender que la musicalidad se presenta de muchas formas y que no existe una forma correcta o incorrecta de interpretar una partitura. Algunos coreógrafos crean bailes completos antes de elegir la música, mientras que otros pueden comenzar con una pieza musical antes de crear un solo paso. Como bailarín, debes estar preparado para cualquier enfoque que utilicen.
Por ejemplo, Wingert recuerda que cuando bailaba para el Ballet de la Ciudad de Nueva York, George Balanchine y el coreógrafo residente Jerome Robbins tenían sensibilidades musicales muy diferentes. “Balanchine quería que estuviéramos al tanto de la música. Nos anticipamos a la música, así que cuando estábamos en el aire, alcanzamos la altura de la nota en la altura del salto ”, explica. 'Jerome Robbins quería que sus bailarines estuvieran bajo la música, un poco más ponderados, en lugar de estar en el ritmo'.
Para comenzar a trabajar en tu musicalidad, 'haz tu trabajo de barra de una manera musicalmente precisa',
dice Anne Mueller, directora del Oregon Ballet Theatre. “Empieza desde el momento en que empiezas a bailar. No se deslice a través de la música en combinaciones de tendu, por ejemplo. Asegurarse de ser claro en su ejecución le dará más opciones porque podrá aprovechar el espacio inmóvil que puede tener la musicalidad tanto cuando no se está moviendo como cuando lo está ''.
Filosofías de fraseo
Si alguna vez ha hablado de la musicalidad con un profesor u otros bailarines, probablemente haya oído hablar mucho sobre el 'fraseo'. ¿Pero sabes lo que es? El fraseo musical es la forma en que se organiza la música dentro de los compases. ¿Dónde están las síncopas? ¿Las cadencias? ¿Los acentos? La fraseología coreográfica es similar: es cómo se organizan los pasos dentro de una frase musical. ¿Qué pasos golpean el ritmo y cuáles se mueven a través del ritmo? ¿Debe realizarse un paso rápidamente para que otro pueda estirarse?
A veces, los coreógrafos especificarán la forma en que deben expresarse sus pasos, pero cuando está permitido, experimentar con la redacción puede brindarle múltiples formas de bailar una pieza. De hecho, cuanto mejor sepa una partitura o una canción, más podrá jugar con la dinámica y la sincronización de los pasos, en lugar de bailar siempre en un tiempo cuadrado, lo que puede hacer que se vea repetitivo y aburrido. Quizás puedas sostener un développé por un momento extra o cambiar el tempo de tu movimiento para meter otro battu. “Un bailarín debe tener un excelente sentido del ritmo para captar la atención del público”, dice Feijóo. “Sin salirse del ritmo, encuentre dónde puede mantener el equilibrio durante más tiempo o dar una vuelta más. Así es como traduces el estado de ánimo que te da la música en los pasos '.
Para ver cómo funciona esto, observe a dos bailarinas bailando el mismo papel clásico (como Kitri en Don Quijote o Odette / Odile en lago de los cisnes ). Aunque la coreografía y la música son idénticas, cada bailarina tendrá su propia forma única de combinar las dos.
Perfeccionando tu oído
Los bailarines que están entrenados para tocar instrumentos, como Robson y Feijóo, quienes estudiaron piano, tienen una ventaja cuando se trata de desarrollar la sensibilidad musical. Pero eso no significa que estés condenado si no sabes la diferencia entre una clave de sol y una clave de fa. El coreógrafo de Nueva York Stephen Petronio, por ejemplo, no lee música y nunca aprendió a tocar un instrumento, pero es conocido por crear un trabajo intensamente musical. Desde que comenzó a hacer danza hace 25 años, Petronio ha coreografiado para compositores como Stravinsky y ha colaborado con artistas como Rufus Wainwright, Lou Reed y, más recientemente, Nico Muhly. “Puedo saber dentro de los primeros 15 segundos de escuchar una pieza si puedo moverme hacia ella”, explica Petronio. “Se me erizan los pelos de los brazos y tengo que bailar”.
Entonces, ¿cómo perfeccionó su musicalidad si no tenía un entrenamiento formal? Con un poco de intuición natural y mucha práctica. Petronio pasa horas escuchando muchos géneros musicales. Incluso elige coreografiar música que lo desafía. Siga su ejemplo y busque puntuaciones complejas, no se deje intimidar. La música espinosa y sincopada te obligará a escuchar con más atención, ejercitando el músculo de la musicalidad de tu cerebro.
Considere estudiar formalmente un instrumento cuyo sonido lo conmueva. Si está más allá de su presupuesto, asista a conciertos. Muchas ciudades ofrecen actuaciones gratuitas en parques públicos. Consulte el calendario de eventos de su ciudad y aproveche la escena musical local. También deberías echar un vistazo a tus listas de reproducción. ¿Gravitas hacia un género? Para ampliar sus horizontes, intente explorar otros tipos de música, especialmente jazz y clásica.
Aprender a diferenciar instrumentos te ayudará a traducir lo que escuchas en movimiento, lo que, a su vez, le dará tono y textura a tu baile. Si no conoce la diferencia entre un clarinete y un oboe, comience con obras musicales como la de Sergei Prokofiev. Pedro y el lobo o de Benjamin Britten Guía para jóvenes de la orquesta , los cuales descomponen cada instrumento en una sinfonía para que pueda aprender a distinguir los sonidos. Otra forma de perfeccionar su oído es escuchar grabaciones de la misma partitura con diferentes directores e identificar las diferencias entre ellas.
Robson jura por este ejercicio, que aprendió de sus días bailando con Michael Jackson: encuentra una canción que te guste y escúchala como lo harías normalmente. “Solo tómalo”, dice Robson. Luego reprodúzcalo, pero escuche solo el tambor. Bloquea todos los demás sonidos y sigue el tambor a lo largo de toda la pieza. ¿Cambia? ¿Sigue siendo el mismo? Toca la canción por tercera vez, concentrándote en otro instrumento, como el piano. Repite este ejercicio hasta que hayas seguido todos los instrumentos de la canción.
'Puede que tengas que escuchar 20 veces, dependiendo de la complejidad de la canción', dice Robson. “La última vez que escuches, vuelve a escuchar toda la canción. Podrá escuchar tanto los instrumentos individualmente como la melodía en su conjunto. Y podrás hacer estilo libre y bailar a ritmos que nunca antes escuchaste. Cambiará tu vida como bailarina '.
Contando con conteos
Cuando estás rompiendo una pieza musical, ¿te encuentras contándola o simplemente escuchando el flujo general de la canción? Los bailarines a menudo tienen fuertes sentimientos sobre el conteo y no siempre están de acuerdo. A veces es necesario contar, especialmente en el trabajo de cuerpo o cuando se trabaja con partituras complicadas. Pero concentrarse en los recuentos puede hacer que su baile parezca mecánico.
Es posible que algunos coreógrafos no cuenten en absoluto. Si tiene dificultades para no contar, busque otras señales musicales que le sirvan de guía. Por ejemplo, ¿termina un giro a la altura de un crescendo? ¿La coreografía sigue la línea de bajo en lugar de la melodía?
Cuanto más cómodo te sientas con la música, más fácil será no contar, así que haz que tu objetivo sea aprender la música lo suficientemente bien como para dejar de contar. “Es posible que tengas que contar algunos ballets al principio, pero una vez que estés seguro, ya no los necesitarás más”, dice Feijóo. “Y eso te dará libertad para interpretar, porque no solo estás siguiendo el ritmo o la melodía”.
¿Demasiado de una cosa buena?
Si bien es bueno tener tus propias ideas sobre la música y el movimiento, prepárate para dejar de lado tu estética. En una audición o al aprender un nuevo trabajo, todo profesional debe poder escuchar e interpretar la música exactamente de la manera que el coreógrafo desee.
Imagínese si el conjunto en Chicago eligió bailar de acuerdo con sus convicciones personales. ¿Qué tal el cuerpo en lago de los cisnes ? ¡Habría anarquía musical! Incluso si eres solista, se puede esperar que interpretes la versión específica de la musicalidad de un coreógrafo. Se necesita un oído tan sensible para interpretar la visión de otra persona como para elegir tu propia interpretación de la música. “A veces reflejo exactamente el movimiento y la música, ya veces lo ignoro”, dice Petronio. “A veces lo uso como contrapunto”. Tu trabajo es estar preparado para cualquier cosa.
También es importante saber cuándo y cómo tu rostro expresa la emoción en la música. Algunos coreógrafos querrán que uses tu rostro, otros querrán que dejes que tu cuerpo haga todas las emociones. Wingert recuerda haber luchado con esta idea cuando bailaba en Balanchine's Serenata con el Ballet de la Ciudad de Nueva York. 'Es una música tan hermosa que quieres encarnar su drama', dice. “Tuve que trabajar para no enfatizar demasiado el drama en mi rostro y dejar que el baile encarne la música”, porque así lo quería Balanchine.
Entonces, ¿cómo afectará la musicalidad a tu movimiento? Matiz. Podrás escuchar las sutilezas en una partitura e interpretarlas con tu cuerpo, y eso te hará más interesante de ver. También es más divertido. Como dice Feijóo, “Sería miserable si tuviera que bailar sin sonido. Bailar es hacer música con tu cuerpo '.